Plus rien ne retient Yvan à Paris. Sa femme l’a quitté pour vivre en
Thaïlande. Ses filles, adolescentes, ont choisi d’habiter chez sa sœur
Ariane, aussi angoissée qu’admirable. Yvan est prêt à partir… quand
débarquent dans sa vie la belle Emmanuelle, qui fait des enfants comme
elle tombe amoureuse, et Léo, le petit garçon que sa femme a eu avec un
autre. Yvan va devoir changer ses plans.
Du métier d'actrice à celui de réalisatrice
La réalisatrice du film, Cecilia Rouaud a commencé son immersion dans le monde du cinéma en 1990 à l'âge de 12 ans, en tournant dans le film de Jacques Fansten, La Fracture du myocarde.
Ce premier rôle sur grand écran lui aura permis de se conforter dans
l'idée de devenir réalisatrice. Après des études de cinéma, elle
recontactera Jacques Fansten qui l'aidera à faire ses débuts de l'autre côté de la caméra, en tant qu'assistante à la réalisation. Je me suis fait tout petit est son premier film.
Un air de Georges Brassens
Georges Brassens n'a cessé d'influencer la réalisatrice Cecilia Rouaud. Pour le titre du film Je me suis fait tout petit,
tout d'abord, qui est une référence à la chanson éponyme du chanteur,
mais également pour le personnage d'Yvan, un homme qui trouve impudique
d'exprimer ses sentiments profonds et les cache derrière une apparence
de dur à cuire, et dont la cinéaste a eu l'idée en écoutant le morceau
"Le Modeste".
La force de l'expérience
Son passé de seconde assistante a permis à Cecilia Rouaud de prendre ses marques derrière la caméra. Elle a par exemple travaillé aux côtés de Cédric Klapisch pour le film Ma part du gâteau, et avec le réalisateur Patrice Chéreau sur Persécution.
Connaître le travail des différents techniciens et observer les
metteurs en scène lui ont beaucoup appris sur l'aspect technique de la
réalisation d'un film. Elle a en outre une vision très personnelle de la
direction d'acteurs : "Pour moi, [cela] appartient un peu au domaine
du magique – disons que cela dépend tellement de la personne que l'on a
en face de soi qu'il s'agit plus de s'adapter au mode de communication
de l'autre que de suivre une règle établie", confie-t-elle.
Influences burlesques
Malgré son sujet sérieux, le film de Cecilia Rouaud est traité de manière comique. Il ne manque d'ailleurs pas de burlesque entre les TOC d'Arianne (Léa Drucker) ou les étourderies d'Emmanuelle (Vanessa Paradis). Influencée par l'humour de Woody Allen ou encore celui des Monty Python, la réalisatrice explique qu'elle "aime
les situations décalées, absurdes, et la poésie qui s’en échappe." :
"J'aime quand les personnages ne font pas ce qu’on attend d'eux,
désamorcer les tensions avec le rire, teinter le rire d'émotion. J'ai
l'impression de me rapprocher du réel", explique-t-elle.
L'habit ne fait pas le moine
Selon Cecilia Rouaud, le talent de Denis Ménochet, l’interprète du personnage d'Yvan, réside dans une profonde humanité qu'il cache derrière une apparence de méchant de cinéma. "Je
voulais qu'on puisse l'aimer malgré son cynisme et le côté désagréable
qu'il a au début du film ; qu'on le voie s'ouvrir à la paternité avec un
enfant qui n'est pas le sien mais sans avoir à marquer fermement son
changement. Il a un jeu très subtil", affirme-t-elle.
Enthousiasme et folie douce
Suite à la lecture du scénario, Vanessa Paradis a très vite accepté de travailler sous la direction de Cecilia Rouaud : "J'ai
la chance de pouvoir choisir les films dans lesquels je vais jouer.
Quand je m'engage, c'est parce que j'en ai vraiment envie", explique-t-elle. Selon la réalisatrice, Vanessa Paradis apporte au personnage d'Emmanuelle, la prof d'art plastique dont s'éprend Yvan, "une
sensibilité et une douceur inouïe. Elle en fait un personnage un peu
décalé, un peu barré, mais toujours sur la ligne. Elle a fait
d'Emmanuelle un personnage solaire, lumineux, adorable."
Deux espoirs au casting
Le comédien Grégory Gadebois, qui joue le proviseur dans Je me suis fait tout petit, a remporté en 2012 le César du Meilleur Espoir Masculin pour son rôle dans le film d'Alix Delaporte : Angèle et Tony. Louise Grinberg, qui interprète Elise, a elle aussi marqué l'année 2012 en étant une des têtes d'affiche du film 17 filles.
Avant cela elle avait également participé à un film ayant reçu bien des
honneurs, dont la Palme d'Or au Festival de Cannes en 2008 : Entre les murs de Laurent Cantet. Deux espoirs du cinéma français réunis sous la direction de Cecilia Rouaud...
Enfants et adolescents
Enfants et adolescents sont deux catégories de personnages largement
traitées par le film. A travers le personnage de Léo, interprété par le
jeune David Carvalho-Jorge, Cecilia Rouaud
explore la capacité d'adaptation qu'ont les enfants face aux
changements de situation familiale. Face à l'absence de famille idéale,
ce personnage se réfugie comme il peut dans un univers qui lui assure
une certaine sécurité. A un autre niveau, les deux filles d'Yvan, jouées
par Louise Grinberg et Angèle Garnier,
représentent deux types d’adolescents. Chacune s'implique dans une
cause différente pour affronter à sa manière les bouleversements que
connait leur structure familiale. Au sujet des adolescents, la
réalisatrice explique qu'elle aime leur personnage "parce qu'ils ne
sont ni construits ni finis, mais [qu']ils ont la certitude de l'être et
jugent doctement le comportement des adultes."
Yvan selon l'auteure
Elle-même mère d'une famille recomposée, la réalisatrice Cecilia Rouaud a une vision très définie du héros de son film, Yvan, et de la manière qu'il a de vivre sa nouvelle situation. "Je
l'imagine ayant été élevé dans une famille 'normale' ; une famille qui
va bien et tourne des films de vacances en super 8 - et puis, tout d’un
coup, tout explose, il se retrouve seul et ne parvient pas à gérer sa
nouvelle vie parce qu'elle n'entre pas dans le cadre qu'il s'était fixé.
Au-delà de l'amour qu'il portait à sa femme, il doit faire le deuil de
la famille idéale, reconstruire autre chose, avec d'autres gens", analyse-t-elle.
MA NOTE 6/10 , vanessa et ce mec qui me fait de l effet , Denis Menochet ....mmmm....
Dans la lignée de Match Point (2005), Vicky Cristina Barcelona (2008) et Minuit à Paris (2011), Woody Allen choisit une nouvelle destination européenne pour tourner To Rome With Love.
Comme le titre l'indique, c'est la capitale de l'Italie qui décore son
nouveau film après Londres, Barcelone et Paris. Le cinéaste semble
vouloir continuer sa tournée sur le continent en annonçant un prochain
film qui aurait lieu à Copenhague.
Titres
Inspiré de l’œuvre de Boccace, Woody Allen
a d'abord voulu donner le titre "The Bop Decameron" à son film. Le
cinéaste a choisi ensuite le titre "Nero Fiddled" avant d'opter au final
pour To Rome With Love.
Plusieurs intrigues en un seul film
Le choix de Rome comme cadre spatial pour tourner le film a inspiré Woody Allen pour donner corps à plusieurs intrigues parallèles : "Pour moi, Rome se prête à de multiples histoires. Elle offre tout un éventail de possibilités", précise-t-il.
Quand Woody s'inspire de la littérature italienne...
To Rome With Love est inspiré du "Décaméron" de Boccace,
une œuvre majeure de la littérature italienne. Le cinéaste propose une
relecture moderne et très libre de ce recueil de nouvelles qui a
intéressé le cinéma depuis le film homonyme de Pasolini en 1971.
L'acteur est de retour !
Grâce à ce film, on retrouve enfin Woody Allen en tant qu'acteur, après six ans d'absence. En effet, le cinéaste n'a pas joué dans ses propres réalisations depuis Scoop (2006).
Cinquième collaboration avec Judis Davis
Depuis le début des années 90, Judy Davis fait partie des accompagnatrices régulières de Woody Allen dans ses films. Leur première collaboration date de 1991 avec Alice. Le cinéaste new-yorkais lui a aussi offert des rôles dans Maris et femmes (1992), Harry dans tous ses états (1998) et Celebrity (1999). Treize ans plus tard, les retrouvailles de Judy et Woody se sont faites à Rome grâce à ce film.
Alec Baldwin
Grâce à To Rome With Love, Alec Baldwin retrouve, après vingt-deux ans, le réalisateur d'Alice
dans lequel il a joué Ed, l'un de ses premiers rôles au cinéma. Le film
marque ainsi la deuxième collaboration de l'acteur avec Woody Allen.
Dans la peau d'une prostituée
A l'instar d'Alec Baldwin, Penélope Cruz a retrouvé, dans ce film, Woody Allen pour la deuxième fois après Vicky Cristina Barcelona (2008). Le cinéaste lui a attribué un rôle qui lui sied depuis En chair et en os en 1997, celui d'une prostituée : "Vous êtes sidérante en putain !", lui a avoué le réalisateur.
Les nouveaux
Woody Allen s'est entouré de jeunes acteurs qui ont déjà fait leurs preuves sous la direction d'autres réalisateurs. Il y a d'abord Ellen Page, qui s'est lancée avec Juno et dans lequel elle a incarné le personnage principal. Allen a également fait appel à Jesse Eisenberg, la star de The Social Network de David Fincher, qui a beaucoup travaillé dans ce film avec une troisième nouvelle venue dans le monde allénien : Greta Gerwig. Cette dernière a commencé à se faire connaître auprès du grand public à travers ses rôles dans Sex Friends et Arthur, un amour de Milliardaire.
Allen défend son film
Après la première projection du film en Italie, plusieurs journalistes
italiens ont reproché au réalisateur sa vision un peu trop ensoleillée
de leur pays alors qu'il traverse plusieurs problèmes politiques et
économiques. En réponse à ces critiques, Woody Allen a défendu son film en assurant que son unique but a été le divertissement : "Quand
je viens à un endroit pour faire un film, je vous donne mon impression
personnelle de celui-ci (...) Je n'ai pas une grande connaissance de la
vie politique italienne", dit-il.
Financement
Le financement du film repose essentiellement sur des collectivités et des commissions en accord avec Woody Allen.
Le cinéaste a réussi à obtenir 25% d'abattement de taxes offertes par
l'Italie, et confie absolument tenir à diminuer les budgets de ses films
aujourd'hui, en dépit des recettes importantes de Minuit à Paris (2011).
ma note 7/10 , c est du Woody Allen , c est bien sa pate , j aime !
Un bonheur n'arrive jamais seul est une comédie romantique dans la plus pure tradition du genre. Le réalisateur, James Huth, explique avoir grandi avec les films de Frank Capra et de George Cukor qui "vous racontent que la vie est belle et qu’il y a du bon dans chacun", et qui l'ont beaucoup inspiré dans sa démarche : "C’est
une histoire universelle mais je voulais que le film soit glamour. Le
fait de reconstruire en studio cet appartement superbe qui donne sur le
parc Monceau et ce studio d’artiste sous les toits de Montmartre donne
au film un aspect comédie américaine des années 50, comme dans celles de
Billy Wilder."
Une comédie romantique un peu différente
Un bonheur n’arrive jamais seul respecte les codes propres à la comédie romantique, mais s’amuse aussi avec : "Normalement
un couple met tout le film à se rencontrer et à s’aimer. On avait envie
que les personnages s’aiment tout de suite. Deux êtres se rencontrent
et c’est plus fort qu’eux. C’est l’évidence, parce que c’était elle,
parce que c’était lui. Mais la comédie romantique reste entière et la
question devient : comment vont-ils réussir à s’aimer puisque tout les
oppose ?", déclare le réalisateur James Huth.
Ecrire en couple
James Huth a écrit le scénario du film avec sa femme Sonja Shillito, et nous fait part de l’expérience d’écrire en couple : "C’est
l’enfer ! Ecrire, c’est ce qu’il y a de plus difficile. On s’est
rencontrés grâce à l’écriture et on s’est mariés parce qu’on passait
notre temps à écrire ensemble. Nous avons une culture différente et une
sensibilité opposée alors quand nous sommes contents tous les deux d’une
scène, elle peut peut-être plaire à une tierce personne. Je suis
mathématique et slave, elle est littéraire et anglo-saxonne."
Elmaleh et Marceau, des aristochats modernes
Selon James Huth, Un bonheur n'arrive jamais seul peut être assimilé à un classique d'animation Disney : "Montmartre, le jazz. Je pense souvent ce film comme une version moderne des Aristochats.
C’est O’Malley qui rencontre Duchesse et les trois chatons. Il y a
d’ailleurs plusieurs références aux Aristochats dans le film", confie-t-il.
Sophie Marceau et Gad Elmaleh ensemble
En écrivant le film, James Huth et Sonja Shillito
ne pensaient pas à des acteurs en particulier. Ce n'est qu'une fois le
scénario bouclé qu’ils se sont penchés sur le casting, en commençant par
le personnage féminin : "Il nous fallait une actrice qui puisse
avoir cette humanité-là, jouer une mère de famille, être glam et avoir
un réel potentiel de comédie slapstick. On rêvait d’avoir Sophie Marceau ! Je l’ai contactée par son agent, j’ai défendu le projet et cinq jours plus tard, j’avais rendez-vous avec elle", explique le réalisateur. Quant à Gad Elmaleh, c’est Sonja Shillito qui a pensé à lui, son mari déclarant : "On
cherchait quelqu’un qui soit à la fois inattendu et évident. Ils n’ont
rien à voir ensemble mais ils sont faits l’un pour l’autre."
Berléand en second rôle
Dans le film, François Berléand interprète un des ex-maris du personnage de Sophie Marceau. Pour le réalisateur : "Il
incarne le pouvoir, l’arrogance, et en même temps, on comprend qu’il
aime profondément Charlotte et ses fils. Il fallait le génie de François
Berléand pour traduire toute la complexité et l’humanité d’un
personnage en une phrase, pendant la confrontation finale avec Gad". Sa partenaire, Sophie Marceau, continue : "On sent que Berléand
a toujours cette distance, cette ironie, ce petit regard sarcastique,
mais c’est marrant parce qu’il projette tout le contraire. Les gens
l’adorent parce qu’ils savent que derrière, il y a quelque chose de
tendre et de profondément humain. En peu de scènes, il fait exister
cette ambiguïté, ce mélange de sentiments."
Sophie Marceau cascadeuse !
Dans Un bonheur n’arrive jamais seul, le personnage de Sophie Marceau est plutôt maladroit. En effet, elle se cogne et tombe régulièrement, ce qui n’a pas fait peur à la comédienne : "La comédie, c’est très physique. C’est un rythme, c’est corporel... Tomber, tituber, être rapide... J’adore !", confie-t-elle, avant d’ajouter : "J’adore
le comique slapstick ! C’est ce qu’il y a de plus drôle et les
spectateurs sont toujours surpris. J’aime bien le côté stoïque comme
lorsque Charlotte se prend cinq cents litres d’eau, qu’elle se relève et
qu’elle repart... Je sais qu’il y a toujours des doublures au cas où,
mais j’aurais pu être cascadeuse."
Tourner à New York
Quelques scènes d'Un bonheur n’arrive jamais seul on été tournées
à New York, bien que dans le scénario, ces scènes se déroulaient au
Canada. Le réalisateur explique ce changement : "Richard Grandpierre,
notre producteur qui a vraiment cru au film, a dit deux choses lors de
notre première rencontre : il faut faire la première scène sous la pluie
et il ne faut pas qu’ils aillent à Montréal mais à New York. Il avait
raison ! Le plan sur New York arrive juste après leur séparation. Pour
Sacha (Gad Elmaleh), c’est la fin du monde, il a perdu cette femme. Il me fallait une bascule. D’où ces immeubles qui se retournent."
En famille
Pour incarner la grand-mère juive de Sacha (Gad Elmaleh), le réalisateur a fait appel à sa grande tante de 94 ans : "J’ai
cherché une actrice qui pouvait prendre l’accent hongrois et dire une
phrase comme "Ne m’oblige pas à prendre un train qui part vers l’est",
mais je ne l’ai pas trouvée. Il fallait que cette phrase soit dite avec
une légitimité. Le personnage est vrai à 100%", explique-t-il.
Faire danser Sophie et Gad
James Huth parle de la fameuse scène de danse entre Charlotte et Sacha : "La scène avait un sens si j’arrivais à faire danser Sophie et Gad
sans aucune fabrication. Je voulais les saisir sur pellicule, libres et
spontanés. Lors de nos réunions de préparation, je leur ai fait
travailler une impro sur le thème de la danse. Ensuite, je leur ai dit
que j’avais inséré une ligne dans le scénario : "il l’invite à danser".
Gad a tout de suite demandé sur quelle musique, je ne lui ai rien dit
jusqu’au tournage ! Le jour dit, au moment de lancer la chanson, Gad m’a
fait un clin d’œil : "c’est la musique de La Boum ?""
Gad Elmaleh et son personnage
Gad Elmaleh n'a pas tant de points communs que cela avec son personnage : "En
fait, c’est quelqu’un qui est très loin de moi ! Je suis écrasé par la
culpabilité, plein de responsabilité, toujours prêt à me lever au cas où
ma famille aurait besoin de quelque chose… L’insouciance de Sacha, je
ne la connais pas. Contrairement à lui, j’ai besoin que tout soit en
ordre, que les factures soient payées… La seule chose qui nous
rapproche, c’est la musique", déclare-t-il. Cependant, il partage tout de même quelque chose avec Sacha : "En
fait, Sacha est un amoureux. Et moi aussi ! Je suis amoureux tout le
temps ! Pas que des femmes, c’est un état. Comme lui, j’aime la
perspective de l’état amoureux. Ce qui me plaît dans ce film, c’est le
fait qu’il soit cueilli par cette histoire alors qu’il ne s’y attend
absolument pas", termine-t-il.
Sophie Marceau et les costumes
Sophie Marceau explique comment elle a créé son personnage : "La
première étape, ce sont des lectures avec le metteur en scène et les
partenaires, cela permet de comprendre les motivations de l’auteur. La
seconde étape où le personnage commence à s’incarner, c’est le costume. James et Sonja
étaient là à chaque essayage. Le personnage évolue dans un milieu riche
et artistique, même si ce qu’elle porte ne correspond pas au cliché de
la femme riche. C’est une femme qui a du goût."
Gad Elmaleh romantique
La comédie romantique n'est pas un genre que Gad Elmaleh a beaucoup pratiqué, il explique pourquoi : "En
tant qu’acteur et humoriste, ma crainte est toujours qu’il n’y ait pas
assez de comédie. Sur ce projet, connaissant l’univers à la fois
poétique, drôle et hyper sensible de James Huth,
je savais qu’il y aurait de la comédie quoi qu’il arrive. Non seulement
il y en a, mais il y a aussi une véritable histoire d’amour à laquelle
on croit. Et croire au couple et à l’histoire, c’est la base pour une
comédie romantique."
Tourner avec des enfants
Dans le film, le personnage de Sophie Marceau a trois enfants dont deux jeunes garçons. C'est la première fois en sept films que le réalisateur James Huth dirige des acteurs si jeunes : "C’est
une des raisons pour lesquelles je n’ai pas fait ce film plus tôt, je
ne me sentais pas prêt à diriger des enfants. Comment être exigeant avec
des enfants tout en les protégeant ? C’était fondamental que tout reste
un jeu et non un travail", explique-t-il.
ma note 7/10 , très sy:mpa et drole , acteurs au top
Pourquoi tu pleures? a été choisi comme film de clôture de la Semaine de la Critique, lors du Festival de Cannes 2011.
La genèse du projet
Lorsque Canal + a lancé un appel d'offres pour des courts métrages sur le thème "Ecrire pour un chanteur", Katia Lewkowicz a tout de suite su qu'elle voulait écrire pour Benjamin Biolay, qui figurait dans la liste des artistes. Elle a alors imaginé C'est pour quand ?, l'histoire d'un homme qui, en arrivant à un goûter d'anniversaire d'enfants, rencontre une jeune femme (joué par Valérie Donzelli). Malgré son désir pour elle, il ne partira pas avec elle. Jean-Baptiste Dupont, enthousiasmé par ce court métrage, lui propose d'en développer un long dans le même esprit. Pourquoi tu pleures ? est donc le premier long métrage de la réalisatrice, qui retrouve ses deux acteurs.
Paradoxe
Alors que Katia Lewkowicz
affirme avoir éprouvé une grande solitude pendant la rédaction du
scénario, et avoir trouvé extrêmement difficile de devoir prendre toutes
les décisions pendant la préparation, il n'en demeure pas moins qu'il
s'agit de choses qu'elle a envie de revivre et de retrouver. Elle dit
d'ailleurs avoir retrouvé "de vraies sensations de travail au montage" car elle avait enfin à faire avec de "la matière concrète".
Une histoire "vieille comme le monde"
"J'avais envie de jouer avec cette base de données sensorielles collectives" , explique Katia Lewkowicz.
Avec le thème du mariage, et plus particulièrement celui des quelques
jours qui précèdent le mariage, il s'agissait de raconter une histoire
qui parle aux gens, qui rappelle des souvenirs, qui fait écho. Katia Lewkowicz a en outre pris le parti de raconter l'histoire du point de vue du futur marié, interprété par Benjamin Biolay.
Beaucoup de listes ...
Pour construire et structurer son histoire, Katia Lewkowicz
a créé un bon nombre de listes : une liste d'organisation d'un mariage,
une liste de ce qui énerve au quotidien, une liste des angoisses
possibles, une liste des personnages (les copains, la mère, la soeur
...). C'est grâce à ces listes qu'elle a pu par la suite commencer à
rédiger.
Des personnages sans prénom
Pour Katia Lewkowicz,
ce ne sont pas les prénoms mais le ressenti du spectateur qui
caractérise les personnages. C'est pourquoi les personnages principaux
que sont le frère, la soeur et la mère, ne sont pas prénommés.
Un échange de rôles de dernière minute
Au départ, Katia Lewkowicz avait proposé le rôle de la fiancée à Sarah Adler et celui du coup de foudre à Valérie Donzelli. Mais leur rôle ont été échangés au dernier moment dans la mesure où Sarah Adler préférait le côté sensuel du personnage du coup de foudre. De même, Valérie Donzelli était aussi plus attirée par le personnage de la fiancée.
Une mise en scène de proximité
Le point de vue du personnage qu'interprète Benjamin Biolay est au centre de toute la mise en scène. C'est pourquoi tout est filmé à l'épaule explique Katia Lewkowicz, afin de voir exactement la même chose que le personnage. "Je voulais que l'on puisse potentiellement regarder à 360° (...). Tout doit être toujours en mouvement autour de lui", explique-t-elle.
Des scènes pas toujours répétées
Afin de garder un peu de spontanéité lors du tournage, Katia Lewkowicz
n'a pas toujours proposé de faire une italienne avec les comédiens,
c'est-à-dire une répétition avant de tourner la scène, notamment lors de
la scène où les futurs mariés racontent la demande en mariage. Ce afin
que les réactions soient naturelles.
La première scène de groupe tournée a été celle des copains dans
l'appartement. Or, pour beaucoup des acteurs, il s'agissait de leur
première expérience cinématographique, tout comme il s'agissait de la
première expérience de réalisation pour Katia Lewkowicz. On imagine que l'ambiance devait être assez ... surprenante !
Retrouvailles pour Nicole Garcia et Emmanuelle Devos
Les deux actrices avaient déjà travaillé ensemble dans L' Adversaire de Nicole Garcia, en 2001. Cette relation mère-fille dans Pourquoi tu pleures ? marque donc leur deuxième collaboration.
Troisième collaboration
Valérie Donzelli et Benjamin Biolay avaient déjà collaboré une première fois ensemble cette fois en musique : Benjamin avait en effet invité Valérie
à parler sur la chanson "15 août" qui figure sur l'album "La Superbe".
De même, le chanteur a travaillé sur la bande son du premier film de
l'actrice, intitulé La Reine des pommes. Ils se retrouvent cette fois tous deux en tant qu'acteurs dans Pourquoi tu pleures ?
Benjamin Biolay à double emploi
La musique du film, primordiale pour créer une ambiance, a été composée dans son intégralité par Benjamin Biolay.
Il s'agit essentiellement de chansons inédites, auxquelles ont parfois
participé les acteurs, comme par exemple pour la chanson de la boîte de
nuit. Sarah Adler chante en effet sur la chanson L'homme de ma vie, écrite par Benjamin Biolay à Orly pendant le tournage.
Benjamin Biolay affirme travailler de manière différente pour la musique et le cinéma : "Dans
un cas, je génère le texte. Les chansons peuvent être assez abstraites,
parfois hors des schémas de narration. On peut avoir une succession de
phrases qui mises bout à bout, évoquent quelque chose ou donnent
naissance à un sentiment mais sont des énigmes prises séparément. (...)
Les acteurs ont des ruptures dans leur débit. Pour apprendre une
chanson, il faut la jouer, garder le texte en mémoire – parfois grâce à
des repères assez abstraits. Une espèce de routine sportive s’installe.
Pour jouer, il faut comprendre ce que l’on dit, à quel moment on le dit,
à qui et pourquoi on le dit."
Il ajoute d'ailleurs que son expérience de musicien est plus utile que celle de chanteur pour jouer : "Être
instrumentiste, c’est avoir l’habitude de jouer avec les autres, avec
la même pensée sinon le même langage, en intégrant le sens des autres.
Quand j’entends Emmanuelle ou Nicole, j’entends une sorte de musique,
une ligne mélodique. Soit on se cale un peu sur les rythmes parce que
c’est ce qu’il faut faire, soit on choisit d’être un peu en rupture ou
de mettre la respiration. Avoir une rythmique un peu précise est un
atout."
Grosse claque
La scène de la gifle entre Benjamin Biolay et Nicole Garcia
n'a pas été répétée. Benjamin a improvisé un rapprochement vers Nicole,
qui s'est adaptée et lui a mis une vraie claque, sans que Benjamin ne
puisse la voir venir. L'émotion fut telle qu'il s'est réellement mis à
pleurer. "Je crois que c'était la première prise", ajoute Benjamin Biolay.
Ce que pense Nicole Garcia du rendu final
"Le film est beaucoup plus drôle et plus cruel que je ne le pensais.
La cruauté c’est le choix impossible dans lequel est placé le personnage
de Benjamin. Ce sont les incertitudes du coeur ou ses intermittences,
comme on veut. C’est une autre lecture des « confessions d’un enfant du
siècle ». J’ai pensé à Musset en regardant Biolay. Je n’avais pas
imaginé tout ça."
Coïncidence
Pendant le tournage de Pourquoi tu pleures ?, l'actrice et réalisatrice Valérie Donzelli écrivait son propre film, La Guerre est déclarée. Le film s'est retrouvé en ouverture de la Semaine de la Critique, clôturée par ... Pourquoi tu pleures ?.
C'est l'histoire d'un Parisien qui est malade et qui se demande s'il va
mourir. Son état lui donne un regard neuf et différent sur tous les gens
qu'il croise. Le fait d'envisager la mort met soudainement en valeur la
vie, la vie des autres et celle de la ville toute entière.
Des
maraîchers, une boulangère, une assistante sociale, un danseur, un
architecte, un SDF, un prof de fac, une mannequin, un clandestin
camerounais... Tous ces gens, que tout oppose, se retrouvent réunis dans
cette ville et dans ce film.
Vous pouvez penser qu'ils ne sont pas
exceptionnels mais, pour chacun d'entre eux, leur vie est unique. Vous
pouvez croire que leurs problèmes sont insignifiants, mais, pour eux, ce
sont les plus importants du monde.
Pourquoi Paris ?
Avec Paris, Cédric Klapisch souhaitait effectuer un retour à ses racines. "Récemment, explique-t-il, j'ai
beaucoup filmé à l'étranger : à Londres, à St-Petersbourg, à
Barcelone... J'ai eu envie de revenir chez moi, de parler de ma ville.
D'autre part, il y a toujours eu beaucoup de Paris dans mes autres films
(Riens du tout, Chacun cherche son chat, Peut-être...),
mais jamais frontalement. J'avais l'impression d'avoir tourné autour du
pot et là, j'ai senti que c'était le bon moment..."
Changer la vision négative de Paris
Cédric Klapisch a également réalisé Paris en réaction à la vision négative qu'on peut avoir de la ville. "On a très vite une connotation snob, prétentieuse, bourgeoise ou désagréable avec en plus le côté râleur qui n'est pas faux, raconte le cinéaste. Il
y a un côté "jamais content" chez les Parisiens. C'est aussi une
spécificité française : le héros français à la Gabin ou à la Delon, ou
même les personnages de Céline, Léo Malet ou de Tardi. Chez eux, le
Parisien tire la gueule, a du vague à l'âme, il n'est pas dupe et il est
révolté... Il y a aussi quelque chose de beau et d'assez sain dans
cette attitude. Paris c'est une ville de spleen. Il y a une mélancolie
qui, bizarrement, est du côté de la vie, de la réaction et non de la
résignation. Les grandes heures de Paris c'est la Révolution de 1789, la
Commune, la Libération, Mai 68... Paris est connu pour ses moments de
colères saines. J'ai aussi beaucoup entendu : "Paris n'est plus dans le
coup" ou "Paris est une ville morte", et je trouve que ce n'est pas
vrai. Après l'épisode des J.O. à Londres, il y a eu toute une série de
signes qui tendait à montrer que Paris n'était plus aussi branché ou
plus aussi "capitale". En réaction, j'ai voulu parler de Paris
aujourd'hui, dans une époque peut-être plus banale. J'avais même pensé
donner le sous-titre "Portrait éphémère d'une ville éternelle"."
Un casting grandiose...
Pour ce film, Cédric Klapisch a fait appel à nombre d'acteurs qui n'avaient jamais travaillé avec lui comme Juliette Binoche, François Cluzet, Mélanie Laurent, Gilles Lellouche, Albert Dupontel et Julie Ferrier. "J'aime découvrir à chaque film des nouvelles têtes, raconte le réalisateur. Dans Paris,
il me semblait évident qu'il fallait mettre en scène la diversité. Il y
a donc beaucoup d'acteurs et... oui, c'est vrai, beaucoup d'acteurs
plutôt connus... Quand je me suis dit que j'allais appeler le film Paris,
j'ai eu conscience qu'il fallait ressembler à la ville, c'est à dire
alterner le banal et le monumental... Montrer la réalité neutre de
certaines rues, mais aussi le côté grandiose et spectaculaire de
certains lieux ou monuments. Pour les acteurs finalement, c'est un peu
la même chose. Il fallait des gens anonymes et des monuments de cinéma.
En travaillant avec tous ces comédiens, on n'est pas dans le banal, on
est dans l'exceptionnel, dans le grandiose."
Cédric Klapisch a offert à Romain Duris un rôle résolument différent de celui du Xavier de L'Auberge espagnole et Les Poupées russes. Le cinéaste s'en explique : "C'est clairement une tentative d'essayer de sortir de Xavier ! On en avait besoin Romain
et moi. Juste pour se prouver qu'on pouvait refaire du cinéma ensemble
sans parler de Xavier. Maintenant, c'est difficile pour moi de
travailler sans Romain. En faisant Paris, on n'était pas du tout dans une recherche de continuation comme pour Les Poupées russes, on devait aller voir ailleurs. Ça n'a pas été trop difficile parce que Romain
a beaucoup appris en passant d'un univers à un autre avec d'autres
réalisateurs. Par contre on a trouvé bizarre sur le tournage de ne pas
avoir le même rapport que d'habitude : sur L'Auberge espagnole et Les Poupées russes,
on était dans la décontraction, alors que là, c'était plutôt tendu.
Tendu dans le sens où il fallait créer quelque chose de plus grave : le
personnage de Romain
étant peut-être condamné par la maladie, on ne pouvait plus passer
notre temps à rigoler ensemble sur le plateau... Cela nous gênait...
C'était comme par respect pour Pierre et sa souffrance."
Préparation express à la danse
C'est Romain Duris qui a poussé Cédric Klapisch à tourner la scène où on voit Pierre danser au Moulin Rouge. "On ne savait pas si ça allait pouvoir être filmé, si on allait avoir les autorisations, se souvient l'acteur... Et
à partir du moment où tout a été ok, il ne restait plus qu'une petite
semaine avant de tourner. Du coup nous étions dans l'urgence : j'ai eu
trois jours pour intégrer la chorégraphie. J'étais déjà
plongé dans la danse depuis quelques mois pour le travail sur Pierre et
la chorégraphie qu'il nous fallait pour la scène de fête avec Olivia Bonamy. J'ai été étonné de constater à quel point, lorsqu'on est habité, tout devient possible."
Echo à "Riens du tout"
La présence de Fabrice Luchini et Karin Viard dans Paris fait écho au premier long métrage de Cédric Klapisch, Riens du tout, autre film où se croisaient beaucoup de personnages. "D'ailleurs, convient le cinéaste, je reviens à une narration assez éclatée car, comme dans Riens du tout, il y a plus de dix personnages qui sont les narrateurs. Pourtant après Riens du tout,
je m'étais dit que je ne recommencerai pas, tellement c'était
difficile, mais bon... il faut croire que c'était plus fort que moi !"
Un drôle de tournage
Comme son titre l'indique, Paris a été essentiellement tourné dans la capitale intra muros. A compter du 13 novembre 2006, le réalisateur y a planté ses caméras pendant 14 semaines. "C'était un drôle de tournage, confie lle réalisateur. J'ai
éprouvé un sentiment de bonheur, beaucoup de plaisir. Un plaisir
intimement lié au travail et donc à beaucoup d'efforts, de fatigue. Je
n'ai jamais eu une équipe aussi soudée. On était content de se retrouver
le matin, tous (enfin moi j'étais content...). Il y avait un vrai truc
heureux et en même temps, ce n'était pas la fête parce que c'était juste
trop de travail, de gamberge, de sérieux. C'était finalement assez
génial ce mélange de sérieux et de plaisir. Avec le chef opérateur, Christophe Beaucarne,
il y avait une connivence... A la fois, on était conscient d'avoir "du
métier" et à la fois, on se sentait un peu comme des enfants, capable de
remettre en question tous ce que l'on avait appris à faire. Il y avait
une sorte de décalage entre notre maturité professionnelle et notre
immaturité sur le plateau. On avait assez envie de ne pas se prendre au
sérieux !"
MA NOTE : 8/10 , j adore ce réalisateur, j adore les acteurs qui jouent dedans , un bijou pour moi - mention spéciale Romain Duris , les autres aussi
Alors que Scrat poursuit inlassablement son gland avec toujours autant
de malchance, il va cette fois provoquer un bouleversement d’une ampleur
planétaire… Le cataclysme continental qu’il déclenche propulse Manny,
Diego et Sid dans leur plus grande aventure. Tandis que le monde bouge
au sens propre du terme, Sid va retrouver son épouvantable grand-mère,
et la petite troupe va affronter un ramassis de pirates bien décidés à
les empêcher de rentrer chez eux...
L'Âge de glace : le dégel...
"Ice Age: Th4w" (L'Âge de glace : le dégel), tel était le titre de travail de L'Âge de glace : La dérive des continents - 3D.
Après avoir été pris dans la glace, il était prévu que Sid, Manny et
tous leurs amis se réveillent lors du dégel... à notre époque, dans un
musée ! Cette idée a été abandonnée, mais qui sait, peut-être
sera-t-elle utilisée dans une suite ?
Un faucon au pays des mammouths
Annoncé au casting en avril 2011, Jeremy Renner a finalement dû se retirer du projet. L'acteur, célèbre pour son rôle d'Œil de Faucon dans Avengers, a fait face à un problème d'emploi du temps.
The Scratist
Le buzz autour de la victoire de The Artist aux Oscars n'a pas épargné L'Âge de glace : La dérive des continents - 3D ! Surfant sur cette vague, la 20th Century Fox a diffusé une bande annonce, The Scratist,
qui reprend les codes du film français : noir et blanc de rigueur,
musique entrainante, aucune parole... mais un Scrat toujours aussi
gaffeur !
D'Horton à l'Âge de glace...
Parti se réchauffer un peu sous le soleil de Rio (2011), Carlos Saldanha abandonne pour la première fois la réalisation ou la co-réalisation d'un film de la saga L'Âge de glace. Pour lui succéder, deux hommes : Steve Martino (Horton), dont ce sont les débuts sur la franchise, et Mike Thurmeier, co-réalisateur du dernier épisode et du court métrage "Scratien", No Time For Nuts (2006).
Succès (pré)historique
C'est une saga qui monte, qui monte... La saga animée a déjà rapporté
presque deux milliards de dollars au box office mondial (383 millions
pour L'Âge de glace ; 655 millions pour L’Âge de glace 2 et 887 millions pour L'Âge de glace 3 - Le Temps des dinosaures).
En France, la tendance est la même, puisque après les 3 millions
d'entrées du premier épisode, le second opus a doublé ce score, et le
troisième a dépassé la barre des 7.8 millions d'entrées. Un record pour
un film d'animation (hors Disney /Pixar).
Alain Chabat prend son envol !
Dans Didier, Alain Chabat était un chien. Désormais dans L'Âge de glace : La dérive des continents - 3D,
il incarne... une mouette ! L'acteur français prête sa voix au
personnage de Silas dans la version hexagonale du film, mais également
dans la version internationale. Une consécration pour celui qui donne
vie - et voix - à l'ogre Shrek depuis 2001 !
Scrat, ce héros...
Figure emblématique de la saga, l'écureuil Scrat a été mis au centre de la campagne promotionnelle de L'Âge de glace : La dérive des continents - 3D, à travers deux bandes annonces considérées comme autant de courts métrages (Scrat's continental crack-up et Scrat's Continental Crack-Up : Part 2).
La seconde bande annonce a d'ailleurs dévoilé pour la première fois
l'équipage pirate de Gutt, qui est au centre de l'intrigue de ce nouveau
volet...
Un Lannister dans l'ère glacière
Le comédien Peter Dinklage, récompensé aux Golden Globes 2012 pour son rôle de Tyrion Lannister dans la désormais célèbre série d'HBO Le Trône de fer : Game of Thrones, prête sa voix à l'un des personnages de ce nouvel opus de L’Âge de Glace.
Il interprète le Capitaine Gutt, l'orang-outan pirate qui tient son nom
de ses grosses griffes, qu'il dit pouvoir utiliser pour faire un
collier avec les entrailles de ses ennemis (en anglais, "gut" signifie
"intestin").
"Je n'irai pas !"
Ray Romano, l’interprète de Manny dans la version originale de L’Âge de Glace : La dérive des continents - 3D, a une façon bien à lui de se glisser dans la peau de son personnage. Le réalisateur Mike Thurmeier explique : "Avant
de débuter l'enregistrement, il répète une des répliques de Manny dans
le premier film : "Je n'irai pas !", et pour une raison que j'ignore,
cette phrase le transforme en Manny."
Une pluie de nouveaux personnages
L'Âge de glace : La dérive des continents - 3D voit apparaître
beaucoup de nouveaux personnages, incluant la grand-mère de Sid, un
équipage de pirates ou encore les camarades de classe de Peaches, la
fille de Manny. Parmi ces petits nouveaux, certains sortent du lot.
C'est le cas de Shira, tigresse à dents de sabre qui rend Diego fou
(dans tous les sens du terme). Jennifer Lopez, qui lui prête sa voix, explique : "Les
deux personnages ont un peu le même parcours. Diego a quitté son clan
de tigres à dents de sabre dans le premier film, et Shira a quitté le
sien parce qu’elle n’appréciait pas sa mentalité. Avant de rejoindre les
pirates, elle avait le sentiment de ne plus appartenir à aucun groupe.
En fin de compte, elle réalise que les pirates ne pensent qu'à eux, et
elle doit choisir entre rester avec eux ou entamer une nouvelle vie avec
Diego". Une bonne dose de comédie est également apportée au film
par le personnage de Mémé, la grand-mère de Sid avec laquelle il renoue
des liens, et qui saupoudre le film d'un humour décalé.
Saga familiale
Si la saga L’Âge De Glace
en est à son quatrième film, c'est parce son succès tient à l'aspect
universel de l'histoire de chaque opus. La famille est en effet au
centre des films et selon Lori Forte, productrice du film et co-créatrice de la saga : "Quelle
que soit l'intrigue, on en revient toujours à la famille, et à la façon
dont Manny, Diego, Sid et leur clan se soutiennent mutuellement. Ce
genre d'histoire et d'humour parle à tout le monde, partout sur la
planète."
Relation père/fille
Alors que chaque film de L'Âge de Glace
traite du thème de la famille, ce nouvel opus se penche un peu plus sur
la question des relations père/fille par le biais des personnages de
Manny le mammouth et sa fille Peaches. Maintenant adolescente, Peaches
se révolte de plus en plus contre les règles strictes de son père, qui
ne voit pas d'un bon œil son comportement et son intérêt soudain pour
les garçons. Ray Romano, qui prête sa voix à Manny dans la version originale du film, s'identifie parfaitement à Manny sur ce point et commente : "Lorsque
votre fille ramène un jeune homme, mammouth ou pas, à la maison, on ne
s'imagine que du mal et on ne peut pas l'apprécier."
Des chanteurs au casting
L’Âge de Glace : La dérive des continents - 3D rassemble un
nombre impressionnant de chanteurs et chanteuses du répertoire américain
dans son casting alors que le film ne compte quasiment pas de chanson !
Entre la chanteuse pop Nicki Minaj, le rappeur Drake, ou encore Jennifer Lopez et Keke Palmer, le film ne manque pas de voix. Et c'est sans compter la participation de Josh Gad, qui joue également dans la comédie musicale de Broadway "The Book of Mormon", et Heather Morris, qui pousse régulièrement la chansonnette dans la série à succès Glee.
Le chant des pirates
L’Âge de Glace : La dérive des continents - 3D s'offre une petite séquence musicale avec le chant des marins interprété par Jennifer Lopez, Peter Dinklage, Nick Frost ou encore Alain Chabat. Le titre "Master of the Seas" a été écrit par Adam Schlesinger et sert de présentation à l'équipage des pirates.
out le monde sait que les cigognes apportent les bébés, mais où diable
les trouvent-elles ? La réponse est : tout là-haut dans la stratosphère.
C'est là que le peuple des nuages sculpte les bébés à partir des nuages
et leur donne vie. Gus, un nuage gris solitaire et manquant de
confiance en lui, est passé maître dans la création de bébés
"dangereux". Crocodiles, porcs-épics, béliers et autres, les créations
de Gus sont de petits chefs-d'oeuvre, mais elles posent de sérieuses
difficultés à son fidèle associé-livreur, la cigogne Peck. Plus le temps
passe, plus les bébés fabriqués par Gus sont turbulents, et plus le
travail de Peck se complique. Peck parviendra-t-il à mettre les choses
au point avec son ami et à livrer sa plus dangereuse cargaison ?
